miércoles, 27 de agosto de 2014

Andy Warhol Sopa Campbell


Autor: Andy Warhol Tipo de obra: Polímero sobre tela Estilo: Pop - Art Cronología: 1969 Localización geográfica: Colección Particular EE. UU. Descripción y análisis de la obra: A finales de los años cincuenta y durante la década siguiente, fueron varios los aristas que insertaron en sus cuadros objetos de consumo cotidiano, corrientes y vulgares, algunos de mal gusto (kitsch). Crearon una nueva iconologia, amplísima y heterogénea, que abarca desde una gallina disecada hasta el mito de Marilyn Monroe. Pasando por las botellas de Coca-Cola- una cama, los cómics o anuncios publicitarios. Esta nueva figuración rompía con el modo de hacer del informalismo, movimiento dominante en Norteamérica y Europa en los años cincuenta. Su éxito erigió a los Estados Unidos como líder en el campo de las artes visuales. Su recuperación de objetos triviales, intranscendentes y antitéticos la vinculó al dadaísmo de Duchamp («ready-made»), pintor considerado como antiartista. La lata de sopa Campbell es una de las imágenes más reconocidas por cualquier americano, algo tan vulgar, como pueden ser en nuestra sociedad, los Chupa- Chups, los envases de Cola-Cao o las latas de anchoas. El envase es presentado frontalmente para que sea bien visible el logotipo de su empresa. La obra sugiere una uniformidad mecánica que se repite en los miles de casas que tienen un objeto similar, una representación banal y cotidiana del espíritu de nuestro tiempo. La apariencia similar al dibujo de reproducciones publicitarias, incluso de apariencias fotográficas no molestan al pintor, que pretende provocar e incluso ridiculizar la sociedad de consumo americana. Los representantes puros del Pop- Art –descubiertos por Leo Castelli- restan fuerza al nihilismo dadaísta y afirman el arte de la vulgaridad. «para borrar la frontera entre el arte y la vida». Artdy Warhol, hombre polifacético, fue en sus inicios publicista, ilustrador y decorador, experimentando también con la corriente informal. Pintor y realizador de films underground, es sobre todo conocido por sus series de serigrafias, repetición a través de cambios de color del bote de la sopa Campbell, del estropajo Brillo, del rostro de Marilyn Nionroe, de Elvis Presley o de J.F. Kennedy. Hace un trabajo gráfico y, como Roy Lichtenstein, es también un técnico de la información: «Cuando vemos varias veces seguidas una fotografia macabra, acaba por no producimos ningún efecto». Así, en su obra el eje vertebrador es la obsolescencia, lo efímero, como la imagen-noticia se diluye en la psicologia de los mass-media. Warhol rechaza el modo de vida noaeamericano, esteriotipado y angustiado, estimulado a partir de eslógans visuales. En la sociedad de consumo, las cosas-objeto se han convenido en protagonistas, mientras que las personas sufren una progresiva deshumanización. Aspectos técnicos y estilísticos: Los artistas del Pop- Art plasman en sus cuadros estos objetos devoradores de la individualiclad. Evidencian el problema de la incomunicación en la socieclad tecnológica desarrollada y la falta de conciencia en el entramado social. En sus composiciones domina la reiteración compulsiva de la imagen. En algunas escenas de gran violencia, denuncian el malestar de la sociedad actual. Al plasmar mitos sociales, desmitifican tanto la civilización postindustrial, pragmática y opulenta, como la tradicional obra de arte, cuyo contenido ahora es fácil y trivial. El arte también se consume. No se trata de un arte original ni revolucionario. Los cuadros resultan frios, distantes y muestran la no creatividad de la masa, aglomerada en las ciudades. Es un arte asimilado por la sociedad y por quien la domina. Biografía: Andy Warhol (1928-1987) al igual que Lichtenstein se inició en el mundo de la publicidad y del cómic. Pronto, sin embargo, descubrió las inmensas posibilidades plásticas de las imágenes comerciales, que empieza a reproducir con toda precisión: envases de las sopas Campbell o Brillo, botellas de Coca-Cola, billetes de dólar, coches, retratos de personajes famosos, estrellas cinematográficas (Marilyn Monroe, Liz Taylor), cantantes (Elvis Presley) y personajes anónimos envueltos en refriegas callejeras, disturbios policiales y en asuntos de violencia y muerte. Una sensación de irrealidad y de artificialidad, reflejo del modo de vida americano, mecanizado y deshumanizado, invade estas obras, realizadas a partir de 1962 por el procedimiento fotomecánico de la serigrafía (Silk screen) y basadas en el concepto de la repetición. Pero la serigrafía en manos de Warhol se transforma en un medio flexible; sobre ella aplica con el pincel toques de color. «Si quieres saber algo de Andy Warhol —dijo en una ocasión el pintor—, solo mira la superficie de mis pinturas, mis películas y a mí: yo estoy allí. No hay nada escondido. Warhol se considera a sí mismo como una máquina, y más que hablar de pinturas prefiere hablar de «productos industriales»: «Pienso —declaró en otra ocasión— que cualquiera podría hacer mis pinturas por mí (...). La razón por la que pinto de esta manera es porque quiero ser una máquina». De ahí que el trabajo en equipo sea fundamental en el caso de Warhol. En la Factory (la fábrica), que es el nombre que da Warhol a su estudio, se llevan a cabo distintas series que Warhol únicamente supervisa y firma, sin más control que la introducción de efectos accidentales en el proceso de trabajo, o la inclusión de pinceladas de innegable autoría. La aportación de Warhol al pop no se centra exclusivamente en su vertiente pictórica. Trasladó su obsesión por la imagen comercial y popular al medio cinematográfico y al televisivo, con la creación de escenas y situaciones aparentemente anodinas —la escena del sueño de un individuo durante cinco horas es harto elocuente al respecto—, que en último término dan testimonio de la vena narcisista y autocomplaciente del artista.

SUSPENSIÓN DE CURSO EL DÍA 28 DE AGOSTO


Quisiera informar por este medio a los asistentes al curso Cursos Como leer una obra de Arte-Gabriela Canteros que se dicta en el Centro Cultural Recoleta los días Jueves de 18 a 20 horas que debido al paro nacional el Centro Cultural no tendrá actividades. Les pido mil disculpas, veremos la forma de recuperar la clase del jueves, seguimos en contacto. Saludos a todos. Gabriela Margarita Canteros

miércoles, 20 de agosto de 2014

La Escuela de Atenas:


Es una obra pintada al estilo de la apoca romana. Aquí nos encontramos con el Rafael más grande y más clásico. El papa lo llama para que decore algunas estancias del Vaticano, exactamente son 4 y las 4 forman un conjunto jerarquizado de frescos en las paredes. En un autentico complejo mural el que forman estas cuatro estancias que son: El incendio, La asignatura, De Heliodoro y de Constantino. El fresco de la escuela de Atenas está en la estancia de la Asignatura. El conjunto está concebido con armonía, con una fuerte jerarquización de las figuras, con un clasicismo perfecto. Los amplísimos espacios abovedados son la escuela en sí. El marco arquitectónico es monumental y tiene el sentido de monumento a la sabiduría de los clásicos, monumento al clasicismo en sí y por lo tanto monumento a la humanidad. Refleja una planta centralizada (entonces en arquitectura era la estructura más clásica). Es un templo imaginario y simbólico de la sabiduría. Los personajes que aparecen son científicos desde la Antigüedad hasta su época (aparece Platón, Aristóteles, etc.) pero pintados con rostros contemporáneos e individualizados. Por ejemplo Platón está pintado con la cara de Leonardo ya bastante anciano. Aristóteles y Platón están en el centro y rodeado de otros filósofos. Rafael quería representar las dos tendencias filosóficas opuestas: método ideológico o método científico. Hay otros grupos rodeando a los maestros. Los rostros son individualizados pero serenos, bellos en su senectud y muy clásicos. Los gestos son variados, el color armónico y el dibujo y la armonía perfecta. El canon para las figuras es también el clásico en sus proporciones. Es el culmen del clasicismo[1].

CARACTERISTICAS DEL RENACIMIENTO


CARACTERISTICAS GENERALES DEL ARTE RENACENTISTA Se pretendía especialmente en el siglo XV y XVI alcanzar la meta de convertirse en el hombre universal versado en muchas disciplinas, ideas que corresponde a algunos elegidos como Brunelleschi Ghiberti, León Batista Alberti, Francesco Di Giorgio, Donato Bramante, Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti y otros. En su mayoría eran arquitectos. Los pintores y escultores ganarían su reconocimiento al no ser considerados artesanos normales, en la clasificación medieval de la pintura, escultura, estas serian artes “mecánicas” no liberales condicionalmente las artes liberales se enseñaban en las universidades, entre ellas se destacan las disciplinas elementales como la gramática, lógica y retórica y las mas elevadas como aritmética, geometría, música y astronomía. La importancia de una formación elevada para los pintores y escultores la destacaría Ghilberti que sostenía que debían estudiar gramática, geometría, aritmética, astronomía, filosofía, historia, medicina, anatomía, perspectiva y “diseño teórico”. Surge el individualismo, el hombre se reconoce como individuo espiritual y como indicio de la creciente conciencia de si mismos que cobran los hombrea del siglo XVI, toma reanimación, la pintura de retratos donde príncipes, nobles y miembros del alto clero se hacen retratar y también miembros de la burguesía como los comerciantes, los banqueros, artesanos y eruditos humanistas e inclusive los artistas que lograron ganarse el reconocimiento de la sociedad y gozar de sus privilegios. Los artitas recibían encargos de príncipes, que actuaban como regentes del Estado. Estos encargos podían llegar a convertirse en oportunidades de empleo fijo como Da vinci en Milán. Este empleo tendrá dos caras, dado que la mayor seguridad económica y aumento de prestigio estaba concadenada a obligaciones de presencia y dependencia en lo referido a la ejecución del trabajo. Hay tres tipos de motivaciones para los encargos de pintura y escultura: la piedad, el prestigio y el placer, siendo esta la que ganaría importancia en el siglo XV y XVI las familias donde se destacara mas esta característica será en las de formación Humanística, dado que entre los príncipes y representantes de las grandes familias, que actuaban como mecenas de las artes, los maestro humanistas, encontrarían sus alumnos. Así también en ocasiones los artistas recurrirían al consejo de los humanistas, en cuestiones de mitología clásica y de historia de la antigüedad para la realización de sus imágenes. Los humanistas serian los primeros en difundir conocimientos de la tradición clásica por ser conocedores de literatura, también aquí los estímulos se remontarían al Trecento en el que la Antigüedad Clásica y su legado literario se reactivaría. Siendo Tetrarca (1304-1374) transmisor del entusiasmo por la antigüedad a sus discípulos. Destacándose Colucio Salutati que ocupara en 1375 el cargo de canciller en Florencia y se encuentran los humanistas de la Filología Clásica, entre sus alumnos se encuentran los humanistas de la próxima generación: Leonardo Bruni, Pietro Paolo Vergerio y Poggio Bracciolino. La percepción de la antigüedad humanista en los siglos XV y XVI se eleva al rango de ciencia en el plano teórico e ideológicamente en lo practico se tematiza la relación entre el Renacimiento y la Antigüedad. En lo que se refiere a la arquitectura el Papa Nicolás V seria uno de los más grandes constrictores del Renacimiento y comitente de León Battista Alberti quien fue participe en los proyectos para reconstruir el Vaticano, el Papa consideraba que la pintura era capaz de hacer visible el poder divino, mostrando a las divinidades como hombres y mujeres reales y llenos de vida, mientras que la arquitectura presentaba obras para la eternidad donde las personalidades e instituciones gobernarían el presente y los siglos venideros. Con sus edificios recupero un imperio desaparecido y lo pobló con los cristianos poniendo al frente al Papa como nuevo Pontifez Maximums recontrayendo la iglesia de San Pedro con un mayores esplendor y porte clásico dándole la apariencia de un “monumento perpetuo” creado por la mano de dios siendo una prueba eterna de que a los papas le correspondía tanto el poder terrenal en Roma así como las llaves del cielo y de la tierra entregadas por Cristo a Pedro, primer Papa fundador de la iglesia. PRINCIPALES CARACTERISTICAS DE LA PINTURA El hombre será el tema central. Se deja atrás la visión antropocéntrica del mundo frente al teocentrismo medieval. La exaltación de la naturaleza que se convierte en el eje de observación del mundo junto con el hombre. Esto se manifiesta de las siguientes formas: construcción de villas en el campo y la creación de jardines, los grandes descubrimiento geográficos. El máximo naturalismo en la representación La incorporación de nuevas técnicas y medios pictóricos: la pintura al óleo, la tela como soporte, los esbozos preparatorios (posibles gracias a la técnica de la perspectiva, y a la mejor calidad del papel y de los medios de escritura), etc. . Hasta entrado el siglo XV la palabra “artista” era usada para nombrar a los estudiantes de las artes liberales y no para un pintor y escultor. Pero los artistas como Ghiberti durante el siglo XV y XVI se emanciparon de la programática teologica dándole al concepto “artista” su significado moderno, el ser artista denota un ascenso de estatus social. Anteriormente la iglesia había sido patrocinadora del arte pero en la Italia renacentista la mayoría de las imágenes serian encargadas por laicos. Los laicos y religiosos se comportaban como personas privadas o representantes de diversas corporaciones como los gremios responsables de las obras de la Catedral y del Baptisterio que encargaban mayoritariamente obras como esculturas. Entre los corporativos se hallaban las La utilización de la técnica del claroscuro, consistente en definir los contornos de las figuras a través de los contrastes entre las zonas iluminadas y las sombreadas. Ej. Rafael, La Madona del Gran Duque. El predominio del dibujo por encima del color. El uso de esquemas formales geométricamente simples. Ej: Rafael, La Madona de la Caverna. La invención del retrato como un reflejo de una constatación de la condición social del personaje (como era entendido en la Edad Media) Ej: Ticiano, Retrato ecuestre de Carlos V en Muhlberg. La reivindicación del personaje, que tendió a dejar de ser un simple fondo para convertirse en el tema principal de algunos cuadros. PRINCIPALES CARACTERISTICAS DE LA ESCULTURA Marcado naturalismo por buscaba el máximo parecido con la realidad. Gran interés por el hombre como individuo. Su cuerpo y su expresividad fueron objeto de especial estudio. Tendencia al monumentalismo (gusto por las obras de grandes dimensiones y de concepción laboriosa). Independizacion de la escultura con relación a la arquitectura. Al contrario de lo que había sido la tónica en la Edad Media, la arquitectura renacentista rechaza la ornamentación escultórica. Uso de esquema formales geométricamente simples. Predominio de las líneas curvas que hacían volver a la tradición griega. Aplicación de las leyes de las perspectivas que permite dar a diferentes figuras una relación aparentemente parecida a la real. Vuelta de los monumentos ecuestres, prácticamente desaparecida desde los romanos. CARACTERISTICAS GENERALES DE LA ARQUITECTURA La arquitectura del renacimiento se inspira mas en su antecedente romano que en el griego, seguramente por su proximidad y monumentalidad. Los arquitectos renacentistas comenzaron a utilizar maquetas y dibujos para atraer a los nuevos clientes y exponerles de manera mas económica y rápida sus proyectos; Este hecho potenció un desarrollo más rápido de la arquitectura. Los cinco órdenes arquitectónicos clásicos van a ser utilizados habitualmente. La bóveda de cañón y el arco de medio punto, por su sencillez, fueron los mas corrientes. Los tirantes metálicos, gran novedad, se introdujeron entre las bóvedas para contrarrestas las cargas. Los conocimientos alcanzados sobre las leyes de perspectiva hicieron posible obras arquitectónicas simétricas y regulares donde las líneas de perspectiva confluían en un único punto central del que se podía observar todo el edificio simultáneamente. El urbanismo moderno como intento de racionalización de las ciudades comenzó con el Renacimiento; en la practica se consumo únicamente en las plazas. Tipologia: las construcciones más importantes fueron: la iglesia (predominaron de planta de cruz griega y las circulares) y el palacio. También destacaron la villa (mansión de campo para descansar o dedicarse a la explotación del campo) y la fortaleza (edificaciones con funciones exclusivamente militares).

EL RENACIMIENTO ITALIANO


Renacimiento en Italia siglos XV y XVI Los Siglos XV y XVI (características del Renacimiento en el Quattrocento y el Cinquecento)
Introducción: El Renacimiento expresa un movimiento y una época donde se retorna al estudio e imitación de la literatura, arte y filosofía de la antigüedad clásica griega y romana En pintura la renovación hacia lo clásico se realiza por medio del estudio del natural y de la aplicación de las leyes de la perspectiva, únicamente este arte recibe la influencia greco-romana a través de la arquitectura y la escultura. Los cimientos de la renovación son varios, el eje más atrayente es el Humanismo orientado hacia el papel central del hombre y sus actos. La anatomía del hombre fue objeto de un minucioso estudio por parte de científicos, que dibujaban ordenadamente sus descubrimientos, involucrándose con frecuencia el rol del científico con el del pintor. Un pintor convenía de tener profundos conocimientos de teología, historia y mitología para estar autorizado en la representación de la historia que debería de narrar, el tornar a concentrarse en lo humano no es una dejadez de lo divino, por el contrario, lo divino es percibido desde la perspectiva humana para conferirlo de mayor significación: Dios trata de concebirse evidente a la razón humana, en vez de limitarlo a la impresión de la fe. Para una conveniente representación de la historia y de los personajes el pintor debería de laborar terceras ramas del saber: para los seres humanos, sé artículo anatomía y fisiología, también hubieron de estudiar mitología, lenguas clásicas y teología para representar dignamente, las escenas, los vestidos y los ambientes. La conquista de la tercera dimensión es fortalecida al colocar las figuras sobre un paisaje o en un interior, así tanto el propio volumen de la figura establece la profundidad, como también el hecho de moverse en un espacio aéreo a su alrededor.La mayor parte de la producción artística siguió consagrada al tópico religioso, con tres propósitos fundamentales: acrecentar la garantía de la predicación, lograr la emoción del fiel y conservar el dogma por medio de las imágenes. No obstante se introduce con ímpetu la pintura profana; por un lado germina el retrato representando a los mecenas de los pintores o a efigies representativas del saber, tanto moderno como antiguo; por otro la invasión del neoplatonismo florentino con representaciones paganas que se reajustan al cristianismo. La razón se recupera apoyándose en la reintroducción de la sabiduría clásica: los textos de la antigüedad que se atesoraban se traducen. Se inicia con vigor la pompa del retrato, se introducen mitologías, usualmente con trasfondo religioso e incluso misteriosos, es el caso de la obra de Botticelli, EL TRIUNFO DE LA PRIMAVERA. Es esta etapa cuando los artistas principian en firmar sus obras, sus antecedentes biográficos son recogidos por los entendidos en arte, y sus teorías pictóricas están impregnadas de gran elaboración intelectual. El renacimiento se organiza en dos hemisferios, el Quattrocento o siglo XV y el Cinquecento o siglo XVI En el Renacimiento, sus integrantes se autodenominan como hombres del Renacimiento, e inauguradores de una nueva Edad, la Edad Moderna, por oposición a la Edad Media , lazo de transición entre la grandiosidad de la Antigüedad clásica y su propia época. Características del Renacimiento en los siglos XV y XVI: El comienzo del Renacimiento Italiano suele datarse hacia el año 1420, el Renacimiento florentino es considerado por algunos historiadores del arte como un retomar la época de esplendor del Trecento temprano, en el cual se destacó Giotto por su naturalismo, donde según Vasari la renovación del arte se realiza por la imitación de la naturaleza que para él es lo mismo que el retorno de aquel (Giotto) a los maestros de la antigüedad. La pintura del Renacimiento se data en Masaccio (1401-1428). La arquitectura en el florentino Filippo Brunelleschi (1377-1446) y la escultura en Donatello (1386-1466) En la pintura renacentista Masaccio manifiesta el naturalismo de las representaciones figurativas y escénicas y el ilusionismo espacial logrado por la perspectiva central con que crea sus imágenes. Otra característica del Renacimiento en Italia es el surgimiento del individualismo, el hombre se reconoce como individuo espiritual y como indicio de la creciente conciencia de si mismos que cobran los hombres del siglo XVI, toma reanimación, la pintura de retratos donde príncipes , nobles y miembros del alto clero se hacen retratar y también miembros de la burguesía como los comerciantes, los banqueros, artesanos y eruditos humanistas e inclusive los artistas que lograron ganarse el reconocimiento de la sociedad y gozar de sus privilegios. Se pretendía especialmente en el siglo XV y XVI alcanzar la meta de convertirse en el hombre universal versado en muchas disciplinas, ideal que corresponde a algunos elegidos como Brunelleschi, Ghiberti, León Batista Alberti, Francesco Di Giorgio, Donato Bramante, Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti y otros. En su mayoría también eran arquitectos. La arquitectura no era considerada oficio autónomo ni poseía un sistema de formación propio, dado que quien era arquitecto anteriormente tendría formación artesanal en otra disciplina donde demostraría su destreza avanzando posteriormente en tareas de mayor envergadura donde se precisarían conocimientos en geometría y de teoría de las proporciones de la arquitectura antigua. Los pintores y escultores ganarían su reconocimiento al no ser considerados artesanos normales, en la clasificación medieval de la pintura y la escultura , estas serían artes "mecánicas" no liberales. Condicionalmente las artes liberales se enseñaban en las universidades, entre ellas se destacan las disciplinas elementales como la gramática, lógica y retórica y las más elevadas como, aritmética, geometría, música y astronomía. La importancia de una formación elevada para los pintores y escultores la destacaría Ghiberti que sostenía que debían estudiar gramática , geometría, aritmética, astronomía, filosofía, historia, medicina, anatomía, perspectiva y "diseño teórico". "La Puerta del Paraíso" del Baptisterio de Florencia realizada por Ghiberti marcará un punto de inflexión en la historia del arte. Hasta entrado el siglo XV la palabra "artista" era utilizada para nombrar a los estudiantes de las artes liberales y no para un pintor y escultor. Pero los artistas como Ghiberti durante los siglos XV y XVI se emanciparon de la programática teológica dándole al concepto "artista" su significado moderno, el ser artista denota un ascenso de estatus social. Anteriormente la iglesia había sido patrocinadora del arte pero en la Italia renacentista la mayoría de las imágenes serían encargadas por laicos. Los laicos y religiosos se comportaban como personas privadas o representantes de diversas corporaciones como los gremios responsables de las obras de la Catedral y del Baptisterio que encargaban mayormente obras como esculturas. Entre los corporativos se hallaban las hermandades destinadas a las tareas religiosas o caritativas que también se relacionaban con la política y la cultura. El Estado o Gobierno de las ciudades de la misma manera se mostraría como comitente. Poco se diferenciarían los comitentes públicos de los privados cuando se habla de príncipes que actuaban como regentes del Estado, que no diferenciaban entre las funciones públicas y privadas. Los artistas recibían encargos de ellos y en oportunidades un empleo fijo como Leonardo Da Vinci en Milán. Este empleo tendría dos caras, dado que la mayor seguridad económica y aumento de prestigio estaba concatenada a obligaciones de presencia y dependencia en lo referido a la ejecución del trabajo. Hay tres tipos de motivaciones para los encargos de pintura y escultura: la piedad, el prestigio y el placer, siendo esta la que ganaría importancia en el siglo XV y XVI las familias donde se destacara más esta característica será en las de formación Humanística, dado que entre los príncipes y representantes de las grandes familias, que actuaban como mecenas de las artes, los maestros humanistas, encontrarían sus alumnos. Así también en ocasiones los artistas recurrirían al consejo de los humanistas, en cuestiones de mitología clásica y de historia de la antigüedad para la realización de sus imágenes. Los humanistas serían los primeros en difundir conocimientos de la tradición clásica por ser conocedores de literatura, también aquí los estímulos se remontarían al Trecento en el que la Antigüedad Clásica y su legado literario se reactivaría. Siendo Petrarca (1304-1374) transmisor del entusiasmo por la antigüedad a sus discípulos. Destacándose Coluccio Salutati que ocupara en 1375 el cargo de canciller en Florencia y se convertiría en el pionero de la Filología Clásica , entre sus alumnos se encuentran los humanistas de la próxima generación: Leonardo Bruni, Pietro Paolo Vergerio y Poggio Bracciolino. La percepción de la antigüedad humanística en los siglos XV y XVI se eleva al rango de ciencia en el plano teórico e ideológicamente en lo práctico se tematiza la relación entre el Renacimiento y la Antigüedad. En lo que refiere a la arquitectura: el Papa Nicolás V sería uno de los más grandes constructores del Renacimiento y comitente de León Battista Alberti quien fue participe en los proyectos para reconstruir el Vaticano, el Papa consideraba que la pintura era capaz de hacer visible el poder divino, mostrando a las divinidades como hombres y mujeres reales y llenos de vida, mientras que la arquitectura presentaba obras para la eternidad donde las personalidades e instituciones gobernarían en el presente y los siglos venideros. Con sus edificios recuperó un imperio desaparecido y lo pobló con los cristianos poniendo al frente al Papa como nuevo Pontifex Maximums reconstruyendo la Iglesia de San Pedro con un mayor esplendor y porte clásico dándole la apariencia de un "Monumento Perpetuo" creado por la mano de Dios siendo una prueba eterna de que a los papas le correspondía tanto el poder terrenal en Roma así como las llaves del cielo y de la tierra entregadas por Cristo a Pedro, primer Papa fundador de la Iglesia. De este modo se recrea la Antigüedad como un imperio cristiano eterno. Siendo el Renacimiento un instrumento persuasivo, de la historia de Italia y utilizado como legitimador de una autoridad temporal y espiritual. Se puede limitar la arquitectura papal a los siglos XI y XVI donde alcanza el papado su máximo poderío y estuvo enmarcado en los movimientos de reforma religiosa decisivos. Donde el empeño de la iglesia fue fortalecer y propagar la fe en una comunidad en crecimiento especialmente, en el vulgo y la población laica no perteneciente a la nobleza. El vulgo que se enriquecía crecía y emigraba a las ciudades cuando antes vivía en las tierras de los señores feudales o en pequeñas poblaciones de Italia, la Iglesia desidio prestarle una mayor atención y su arquitectura sería un medio de propaganda papal dirigida a los más receptivos y a los que serian su posterior apoyo. Los nuevos edificios y sus tipos se atribuían a las diversas instituciones creadas por el vulgo que eran destinatarias de la propaganda arquitectónica papal. En el siglo XV personalidades importantes y familias pudientes construyeron sus residencias privadas, urbanas y de extramuros así como nuevos centros creados para la vida política y cultura cortesana de las ciudades, aplicando las formas arquitectónicas inspiradas en la Antigüedad. Desde el siglo XV al XVI también construyeron lejos de las ciudades, villas con jardines como nuevo centro de la cultura cortesana en Italia.

El Renacimiento


Renacimiento es el nombre dado al amplio movimiento de revitalización cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes aunque también se produjo la renovación en la literatura y las ciencias, tanto naturales como humanas. El Renacimiento es fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo. El nombre Renacimiento se utilizó porque éste retomó los elementos de la cultura clásica. Además este término simboliza la reactivación del conocimiento y el progreso tras siglos de estancamiento causado por la mentalidad dogmática establecida en la Europa de la Edad Media. El Renacimiento planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, el interés por las artes, la política y las ciencias, cambiando el teocentrismo medieval, por el antropocentrismo renacentista. Sin embargo, Vasari, había formulado una idea determinante, el nuevo nacimiento del arte antiguo, que presuponía una marcada conciencia histórica individual, fenómeno completamente nuevo en la actitud espiritual del artista. De hecho el Renacimiento rompe, conscientemente, con la tradición artística de la Edad Media, a la que califica, con pleno desprecio, como un estilo de bárbaros, que más tarde recibirá el calificativo de gótico. Con la misma consciencia, el movimiento renacentista se opone al arte contemporáneo del Norte de Europa. (Fuente: Wikipedia) Características del periodo Recuperación de la cultura clásica (griega y romana) Nueva concepción del hombre (antropocentrismo) Ansia de renovación relacionada con las estructuras de la iglesia Se busca la belleza en la proporción Surgen los humanistas, que se dedican a los distintos ámbitos culturales Surgen los tratadistas Estamos en la era de la imprenta Características del arte Concepto de sociedad nueva Aparece la figura del mecenas (patrocinador) Surge el concepto de artista: Giorgio Vassani es el primero en recopilar la vida de los artistas Sociedad: Más materialista Interesada en la objetividad Mentalidad capitalista y crecimiento de las ciudades Arquitectura Vuelta a las estructuras griegas (templos) y romanas. Elementos Arco de medio punto Bóveda de cañon, hecha con casetón o con aproximación de hiladas Cúpula decorada con casetones Retorna el frontón griego Vuelven las pilastras y columnas (dórico, jónico, corintio) Preocupación por la simetría Tipología de edificios En las ciudades: fortalezas y palacios (por el enriquecimiento de la nobleza) En el campo: las villas (residencias de los nobles - siglo XVI) Edificios religiosos - Plantas: de cruz latina basilical centralizada (por la simetría) Elementos constructivos: arco de medio punto cúpula con casetones columnas de órdenes clásicos Elementos decorativos Grutescos: composición decorativa a base de elementos animales, vegetales y humanos entrelazados, originando conjuntos de figuras fantásticos Medallones: decoración en relieve y en círculo Guirnaldas Putti o Amorcillos: angelitos rechonchos con alitas.

viernes, 15 de agosto de 2014

ORGANIZACIÓN DE CLASES


1.
Arte Clasico Grecia y Roma
2. Edad Media: Arte Romanico y Gotico
3. Renacimiento (s.XV - XVI)
4. Manierismo (h. 1530 - 1.600)
5. Barroco (h. 1600 - 1750) 6. Rococó (1720 – 1740) 7. Neoclasicismo (1730 - 1820) 8. Romanticismo (desde finales del s. XVIII hasta mediados del s.XIX) 9. Realismo (s.XIX) 10. Impresionismo (mediados s.XIX) 11. Neoimpresionismo (finales del s.XIX) 12. Vanguardias Históricas 13. Posvanguardias 14. Neovanguardias 15. Posmodernidad en el Arte 16. Los limites de la interpretación en el arte

ARTE BARROCO-CLASE 4


Arte Barroco Fuente del Palacio de Aranjuez. Arte BarrocoEl arte barroco en sus más amplias manifestaciones artísticas es un fenómeno complejo de índole social, político y religioso. El barroco es la continuación al manierismo italiano que prevalece durante la primera mitad del siglo XVI. Si el manierismo comienza a usar los cánones clásicos con artificiosidad, el barroco que le sucede abandona la serenidad clásica para expresar un mundo en movimiento y agitación de los sentidos. Por tanto, la tendencia del barroco es a la exageración y la ostentación. Origen del Arte Barroco Causas Político religiosas Barroco valenciano: torre de Santa Catalina. Se suele decir que el Arte Barroco es el arte de la Contrarreforma. Para reaccionar contra la severidad e iconoclastia del Protestantismo, la Iglesia Católica alentó la edificación de templos con profusión de escultura. También dirigió a los artistas a alejarse de los temas paganos que tanta aceptación tuvieron durante el Renacimiento, así como evitar los desnudos y las escenas escandalosas. Tanto en las artes visuales como en la música, la influencia de la Iglesia sobre los artistas iba dirigida a emocionar y enardecer la devoción mediante estímulos psicológicos. Estas normas aparentemente conservadoras y austeras derivaron, sin embargo, en este arte suntuoso y recargado que llamamos Barroco. Causas sociales y psicológicas El siglo XVII fue una época de guerra y violencia como en pocas fases de la historia europea. La vida se veía frecuentemente atormentada en dolor y muerte. Por eso también era más necesaria que nunca la exaltación de la vida agitada e intensa para el hombre barroco. En ese contexto, se experimentaba el empuje de amar las pasiones de la vida así como el movimiento y el color, como si de una magna representación teatral se tratase. De hecho, se ha indicado con acierto que en las artes plásticas, el barroco intenta reproducir la agitación y vistosidad de la representación teatral. Al igual que una representación dramática se apoya en un decorado vistoso y efímero, la arquitectura barroca se subordina a la decoración, que ha de ser espectacular. Otra de las características del barroco que se manifiesta en la arquitectura, escultura y la pintura es el juego de las sombras. En la estética del barroco, son muy importantes los contrastes claroscuristas violentos. Esto es apreciable fácilmente en la pintura (por ejemplo el tenebrismo) pero también en la arquitectura, donde el arquitecto barroco juega con los volúmenes de manera abrupta con numerosos salientes para provocar acusados juegos de luces y sombras. Pintura Barroca de Josefa Obidus
Josefa De Obidus fue la más destacada pintora de la segunda mitad del XVII portugués, y uno de los pocos casos de mujeres que se destacaron en la pintura en toda la historia del arte universal de la edad moderna. A los dieciséis, ingresa en el convento de Santa Ana de Coimbra con la intención, de profesar. Tres años después recibe el encargo de realizar algunos grabados para una edición de los Estatutos de la Universidad de Coímbra. A estos grabados se deberá su fama inicial. En 1653 abandonó el convento, por causas que se desconocen, regresando a la casa paterna. Y, cosa completamente inusual para una mujer de su época, decide dedicarse a la pintura. Poco tardarán en lloverle encargos de conventos e iglesias. Como conoció de cerca la vida en los conventos, algunos de sus famosos cuadros retratan los deliciosos dulces conventuales, como podemos ver en estas dos pinturas barrocas de naturaleza muerta.

El arte renacentista: pintura-clase 3


El impulso creador renacentista se inició en Italia en el siglo XV, al manifestarse una nueva concepción de la vida, revalorizando al hombre como “la mayor realidad de la naturaleza”. El arte del Renacimiento, consolidado en las ciudades italianas, se difundió en las diferentes naciones de Europa. Italia: “cuna del Renacimiento” En los siglos xv y XVI, fue Italia la encargada de difundir las formas artísticas que luego irradiarían su influencia al resto de Europa. Los gobernantes de las ciudades italianas contaban con recursos suficientes, producidos por el intenso comercio con otros pueblos, para fomentar la producción de obras de arte, que embellecieron y dieron prestigio a sus respectivas ciudades. Papas, reyes, príncipes y ricos burgueses se convirtieron en mecenas, que rivalizaron por tener en sus casas a los mejores artistas. Entre estas ciudades, Florencia se transformó en un “bellísimo museo viviente”. Esta situación estuvo directamente vinculada a la acción de una destacada familia de mecenas, los Médicis. El Quattrocento y el Cinquecento En el desarrollo del Renacimiento se distinguen dos períodos: el Quattrocento, que corresponde al siglo XV, y el Cinquecento, que corresponde al siglo XVI. El Quattrocento tuvo como centro la ciudad de Florencia. Allí se destacó el pintor Masaccio, que logró el dominio de la perspectiva; Ghiberti puso las bases de la escultura renacentista con las puertas del Baptisterio de la Catedral. Brunelleschi creó el modelo para la arquitectura renacentista al realizar la Cúpula de la Catedral de Florencia, Santa María de Fiori. El Cinquecento tuvo como centro la ciudad de Roma. Los Papas del siglo XVI embellecieron la ciudad para demostrar su poder. El monumento más importante y el que atrajo a más artistas durante su construcción y decoración fue la Basílica de San Pedro y las Stanzas Vaticanas. En esas obras trabajaron y se destacaron, entre otros, Miguel Ángel y Rafael. Además de Florencia y Roma, otras ciudades italianas tuvieron una intensa actividad artística. Venecia, destacó especialmente en pintura, con exponentes de la magnitud de Giorgione, Tiziano o el Veronés. Pintura El tema redundante fue la representación del hombre y su ambiente: la naturaleza y el paisaje urbano. Las novedades introducidas fueron el uso de la perspectiva, el estudio de la anatomía, (que permitió la inclusión del desnudo), y el naturalismo. La temática pictórica combinó temas mitológicos, paganos y cristianos, la tradición greco-latina y la cristiandad se plasmaron en la producción plástica. Los temas religiosos mantuvieron su vigencia, pero tratados con una nueva visión: las figuras divinas se hicieron "mas humanas", buscando un acercamiento más personal a la religión.
"La escuela de Atenas". Obra de Rafale. 1509. Pintura al fresco, ubicada en la Sala de Rafael, Vaticano. En "La Escuela de Atenas", las figuras están enmarcadas por una arquitectura clásica. En la composición dominan la perspectiva y la simetría. Rafael incluyó como protagonistas de la obra a sabios y artistas de la antigüedad en el eje de la composición: Platón, con la mano alzada en dirección a las ideas, y Aristóteles, con la mano abierta, representa la unión entre el Cielo y la TIerra, realzando la importancia de la Naturaleza; a los lados, Ptolomeo, con un globo terráqueo; Arquímedes, que dibuja en el suelo y Virgilio, con túnica blanca. Los distintos personajes son retaratados con los rostros de los contemporáneos del pintor.: Leonardo, Miguel Ángel, Bramante y el mismo Rafael, mostrando la continuidad entre el pasado y el presente.

miércoles, 13 de agosto de 2014

EDAD MEDIA-ROMÁNICO Y GÓTICO


Esta semana en como leer una obra de arte, estaremos recorriendo la edad media, los estilos arquitectonicos, escultoricos y pictóricos de los periodos gótico y románico. Recorriendo los conceptos eclesiasticos que definieron estos estilos. El momenot histórico, el poder de la Iglesia, las clases sociales, las cruzadas.
Pintura Románica Se caracteriza la pintura románica por el escaso estudio de la naturaleza que revelan sus figuras, por la seriedad y uniformidad de los rostros en la forma humana, por la simétrica plegadura de los paños, por las violentas actitudes que se dan a los personajes al representar una escena y el rígido hieratismo cuando las figuras no han de expresar acciones, por sus contornos demasiado firmes o acentuados y, en fin, por la falta de perspectiva que ofrece la composición en conjunto. Los procedimientos generalmente seguidos fueron el temple y el fresco para cuadros y decoraciones murales, el temple y la aguada en la pintura sobre tabla y la aguada o acuarela (en éstas y en las tablas con aplicaciones de oro) para las iluminaciones de códices. En la pintura sobre tabla era bastante común el recubrir la superficie con un lienzo pegado a la misma sobre el cual se aplicaban algunas manos de fina escayola y se trazaban en ésta para fondo del cuadro ciertos surcos, incluso dibujos en relieve y luego se pintaban las figuras que en muchos puntos aparecen también con resalto.
Pintura Gótica Pintura sobre tabla Aunque se ha dicho que la pintura gótica tiene su espacio propio en los grandes vitrales de las Catedrales y en las miniaturas polícromas de los libros, lo cierto es que la pintura propiamente dicha donde subsistió fue en los retablos, las tablas pintadas que forman los frontales o los laterales de los altares y en los muros de las capillas laterales. Puede diferenciarse, además, entre los retablos, que son tablas pintadas o esculpidas que ornamentan los altares de las iglesias, y las tablas de devoción, individuales, de menor tamaño, que adornan las iglesias y las casas particulares. Maestá del Duomo de Siena, obra de Duccio di Buoninsegna, una de las obras más famosas de la pintura italiana; temple sobre madera, 214 x 412 cm Museo dell'Opera Metropolitana del Duomo, Siena. La pintura sobre tabla, generalmente retablos, se impuso por toda Europa. En el siglo XV era ya la forma pictórica predominante, suplantando incluso a las vidrieras. De tablas o frontales únicos se pasó a dípticos, tríptico, y luego complicados polípticos que combinaban numerosas piezas hasta llegar a los grandes retablos del siglo XIV, con muchas tablas que se organizan con el banco o predela (cuerpo inferior) y calles verticales, separadas por estrechas entrecalles; en la calle central se representaba el tema principal del retablo. Se ejecutaba al temple, que usaba como aglutinante el huevo o la cola obtenida de los huesos de animales. Es novedad de la última fase del gótico el cambiar ese aglutinante por aceite, dando así lugar a la pintura al óleo. El óleo sobre lienzo no se hizo popular hasta los siglos XV y XVI y fue el punto de partida del arte renacentista. Los espero en Centro Cultural Recoleta Informes e inscripción: Martes a viernes de 15 a 19 hs. Departamento de Formación y Capacitación Cultural Junín 1930. Tel. 4803-1040/1041 Int. 215/227 www.centroculturalrecoleta.org

lunes, 11 de agosto de 2014

Como leer una obra de arte-El arte clásico de Grecia y Roma


El jueves pasado arrancamos con las clases de "Como leer una obra de arte" en el Centro Cultural Ccr Recoleta. Realizamos una introducción a la historia del arte y los conceptos de interpretación básicamente. Y comenzamos con la unidad del arte clásico. Los esperamos el próximo jueves de 18 a 20 horas, vamos a continuar con el Arte Romano hasta la Edad Media, el curso plantea un recorrido a vuelo de pájaro sobre los movimientos, periodos artísticos y estilos hasta la actualidad con elementos de análisis de obra.
https://www.youtube.com/watch?v=8-ByBuYGSNA&list=PLB07A2F728143E5EC&index=8

martes, 5 de agosto de 2014

COLLAGE . . . rediseños del juego creativo.-dictado por la Lic.Gabriela del Canto


COLLAGE . . . rediseños del juego creativo.-dictado por la Lic.Gabriela del Canto COLLAGE . . . rediseños del juego creativo. “Creamos aquello que está listo para ser gestado. La ofrenda creativa es la entrega transformadora que obsequiamos a nuestra propia conciencia estética para su expansión.” ( g.dc. 2014) Propuesta : *Abordar una técnica de realización plástica, el collage; * Interactuar con los elementos plásticos + ludico - intuitivos para producir una pieza plástica Objetivos : *Reconocer, seleccionar y expandir la propia capacidad creativa para dar origen al propio diseño, a una particular manera de crear una pieza plástica. *Reutilización de materiales; aproximación a una conciencia ecológica de arte. Contenidos : Presentación del taller / Descripción de la propuesta / Técnica collage, variantes / Materiales (soporte fibrofacil 0,50x0,70 mts. / telas / cola / acrílicos/) Composición - estructura / Planteos formales e informales / Temática: fuente, nutrición y acción creativa / Desarrollo / Exposición de lo experimentado / Finalización// Duración : 4 horas reloj Fecha: 15 y 16 de Agosto en Av Santa Fe 1544 local 25 . Horarios 10 a 14 horas. Inscripciones Llamar al 0223 155 268 363 re*crear / reciclar … creer que desde lo inutilizado podemos crear algo, que podemos dotar de vida, algo nuevo; solo por el hecho de confiar en nuestra capacidad de apreciar lo desechable al extremo de iluminarlo desde nuestra voluntad creativa Gaby Del Canto http://gabrieladelcanto.wix.com/la-maga-arte